Книги по истории искусства

An unrivalled treasury of the methods, techniques, and examples of the great illustrators, this volume covers five centuries of decorations for the printed page. Ranging from the dawn of printing to the twentieth century, it offers working artists and students an unsurpassed reference and source of inspiration. It also forms a delightful browsing book for lovers of art and illustrated books.

Starting with 16th-century woodcuts by Albrecht Dürer and Hans Holbein, the chronological presentation features works by Goya, Hogarth, Blake, Morris, Doré, Toulouse-Lautrec, Beardsley, and other masters. A brief text introduces each section, and the volume concludes with an international roster of modern artists, categorized by country. All that is best and outstanding in the field of illustration appears here, in this giant book of sketches, engravings, woodcuts, and lithography.

With breathtaking virtuosity and a unique, dreamlike vision, Érik Desmazières – a master of contemporary printmaking re-creates interiors, cityscapes and fantastical compositions.

Rich in atmosphere, refreshingly strange and exquisitely produced, A Cabinet of Rarities is a bibliophilic treasure for anyone whose imagination is fired by the esoteric and macabre.

Desmazières has delved deep into the arcane theme of cabinets of curiosities. Taking as his starting point the melancholy musings of the seventeenth-century antiquary Sir Thomas Browne, he has reinterpreted these shadowy collections of the rare and bizarre – precious corals, shrunken heads and magical artefacts – as meditations on the vanity of earthly life. Death and decay are never far below the surface, as a depiction of Sir Thomas Browne’s own skull, disinterred and displayed in a museum until the 1920s, reminds us.

The erudite text by Patrick Mauriès traces the preoccupations of Browne and his fellow collectors through history, showing how abstruse objects and spectres of death have now entered the cultural mainstream.

A new, compact edition of David Hockney and Martin Gayford’s brilliantly original book, with a revised final chapter and three entirely new Hockney artworks

'I won't read a more interesting book all year ... utterly fascinating' AN Wilson, The Sunday Times

Informed and energized by a lifetime of painting, drawing and making images with cameras, David Hockney, in collaboration with the art critic Martin Gayford, explores how and why pictures have been made across the millennia. What makes marks on a flat surface interesting? How do you show movement in a still picture, and how, conversely, do films and television connect with old masters?

Juxtaposing a rich variety of images – a still from a Disney cartoon with a Japanese woodblock print by Hiroshige, a scene from an Eisenstein film with a Velázquez painting – the authors cross the normal boundaries between high culture and popular entertainment, and make unexpected connections across time and media. Building on Hockney’s groundbreaking book Secret Knowledge, they argue that film, photography, painting and drawing are deeply interconnected. Insightful and thought-provoking, A History of Pictures is an important contribution to our appreciation of how we represent our reality. This new edition has a revised final chapter with some of Hockney’s latest works, including the stained-glass window in Westminster Abbey.

Contents List:

1. Pictures, Art and History 2. Pictures and Reality 3. Making Marks 4. Shadows 5. Picturing Space and Time 6. Brunelleschi’s Window and Alberti’s Mirror 7. Mirrors and Reflections 8. Paper, Paint and Multiplying Pictures 9. Painting the Stage and Staging Paintings 10. Caravaggio and the Academy of the Lynx-Eyed 11. Vermeer and Rembrandt: the Hand, the Lens and the Heart 12. Truth and Beauty in the Age of Reason 13. The Camera Before and After 1839 14. Photography, Truth and Painting 15. Painting with and without Photography 16. Snapshots and Moving Pictures 17. Movies and Stills 18. The Unending History of Pictures

About the Authors:

David Hockney is considered one of the most influential British artists of the 20th century. He has produced work in almost every medium - painting, drawing, stage design, photography and printmaking - and has stretched the boundaries of all of them. Born in Bradford, England, in 1937, Hockney attended art school in London before moving to Los Angeles in the 1960s. There, he painted his famous swimming pool paintings. In a 2011 poll of more than 1,000 British artists, Hockney was voted the most influential British artist of all time. He continues to create and exhibit art.

Martin Gayford is art critic for The Spectator and the author of acclaimed books on Van Gogh, Constable and Michelangelo. He is the author of Man with a Blue Scarf, Rendez-vous with Art and A Bigger Message. He has collaborated with David Hockney on A Bigger Message and A History of Pictures, and has co-written a volume of travels and conversations with Philippe de Montebello: Rendez-vous with Art.

A glimpse inside a magical Tuscan villa -- rustic yet urbane, old-world elegant yet bohemian, accessible yet personal -- that nurtures the world's finest literary talents.

In the hills above Florence, Santa Maddalena is like a secret garden where writers hone their craft and meet like-minded people. Paired with evocative images, these essays by 27 acclaimed authors invite readers to understand how the spirit of this restored villa, its owners and resident pets have inspired creative writing and creativity among so many.

Monti della Corte and her late husband, Gregor von Rezzori, transformed a ruin into the ultimate retreat where they would write, garden, and entertain friends and fellow artists--Pedro Almodóvar, Bernardo Bertolucci, David Hockney, Isabella Rossellini. This gracious weaving together of hospitality and creativity became the Santa Maddalena Foundation and writers' fellowship program in 2000.

About the Author:

Beatrice Monti della Corte ran Galleria dell'Ariete, a trailblazing art gallery in Milan in the 1950s and is the founder of the Santa Maddalena Foundation, which administers the Premio Gregor von Rezzori and the eponymous writers' retreat. François Halard is one of the most important interior and architectural photographers and has been published in Vogue, Apartamento, T Magazine, and Cabana, among others. Michael Cunningham is the author of A Home at the End of the World, Flesh and Blood, The Hours (winner of the PEN/Faulkner Award and the Pulitzer Prize), Specimen Days, By Nightfall, The Snow Queen, and Land's End: A Walk in Provincetown.

Many initiatives to support women were begun in the late 1800s, but the Royal School of Needlework (RSN) is one of the few that remain. This initiative was born from the desire of three women – Princess Helena, Lady Victoria Welby and Lady Marian Alford – to popularise the lost art of ornamental needlework and place it on a par with other decorative arts, such as painting and sculpture. Their other, yet no less important goal was to provide employment for women compelled to earn their own livelihood. Though women are no longer so limited in occupational options, the RSN has been keeping traditional embroidery techniques alive for a century and a half. 

Published to coincide with the RSN’s 150th anniversary, this book will tell the story of the RSN from its founding in 1872 to the current day. It will highlight key people, royal and other special commissions, the changing fortunes of the school as fashions changed and the approach to teaching hand embroidery, as well as bringing attention to the role and position of the RSN historically and today, associating with everyone from society ladies and theatre impresarios in the late 19th century to working with fashion designers Patrick Grant, Nicholas Oakwell and Alexander McQueen, and architects in the 21st century.

About the Author:

Dr Susan Kay-Williams has been chief executive of the Royal School of Needlework since 2007. She is also a curator and archivist. She has spent a lot of her spare time researching the RSN’s history because she believes more of its remarkable history needs to be known. In her own right her research interest is in the history of dyes and textile dyeing. She published The Story of Colour in Textiles in 2013 (Bloomsbury).

__________

Пролистать книгу An Unbroken Thread: Celebrating 150 Years of the Royal School of Needlework

The first history of animation to chart the evolution of this dynamic industry around the world

Maureen Furniss surveys the cultural, political and economic context of how this dynamic industry evolved, emphasizing both artistic and technical achievements from around the world – from Hollywood to Tokyo, from Moscow to Sydney. Featuring a timeline for each of its six parts, Animation: The Global History provides readers with a clear and accessible chronology of events. A ‘Global Storyline’, highlighting the major themes of the era, opens each chapter, and an end-of-book glossary defines key terms used throughout the book.

Topics include:
- Development of animation
- Growth of the studio system
- Stylistic differences between the major studios
- Modernist animation
- Animation in World War II
- International animation
- Experimental animation
- Television animation
- Animation in art and video games

Art & War in the Renaissance, published on the occasion of a major traveling exhibition, presents distinctive arms and armor within the rich context of an important tapestry series to highlight the beauty of Renaissance Europe’s war culture.

This significant contribution to art history and military display explores the art of war, from ceremonial armor, arquebuses, and swords to the sumptuous Flemish tapestries depicting the battle of Pavia, the 1525 battle between King François I of France and Holy Roman Emperor Charles V that arguably shaped modern European history.

A vehicle for prestige and propaganda, the unprecedented suite of tapestries from the Museo e Real Bosco di Capodimonte captures the life-size action of the battle of Pavia, as designed by Bernard van Orley, the leading Brussels artist of the time who was famous throughout Renaissance Europe. 

The book showcases sixteenth-century fashions, including fine armor, intricately detailed weapons, and haute couture costumes for men of war from the Armeria Farnese, one of Europe's most significant dynastic armories. Essays by leading scholars delve into the Neapolitan d’Avalos family archive, the conservation efforts to restore the works, as well as their preparatory drawings, now housed at the Louvre. Extensive color plates and many lush details complete this notable volume.

About the Authors:

Sylvain Bellenger is the Director Emeritus of the Museo e Real Bosco di Capodimonte.

Thomas P. Campbell is the Director and CEO of the Fine Arts Museums of San Francisco.

Graziella Palei is a renowned tapestry conservator working for the Italian public heritage.

Cecilia Paredes is an international scholar and tapestry specialist.

Carmine Romano is Curator and Head of Digitization and Digital Catalogue at the Museo e Real Bosco di Capodimonte.

Antonio Tosini is Conservator of the Farnese and Bourbon Armories at the Museo e Real Bosco di Capodimonte.

________

Пролистать книгу Art & War in the Renaissance: The Battle of Pavia Tapestries на сайте издательства.

An entirely new approach to exploring global art history, presented through the lens of one of the world's leading art museums

Featuring more than 800 artworks from the collection of The Metropolitan Museum of Art, New York, this groundbreaking book - organized by thematic keywords rather than the usual chronological or geographical categories, and drawing upon analytics from The Met's online Heilbrunn Timeline of Art History - offers fresh, unconventional ways of engaging with visual culture. Beyond the wealth of illustration, more than 160 engaging curatorial essays place the works in wider contexts, while a foldout, detachable timeline offers further perspective.

About the Author: 

The Metropolitan Museum of Art in New York is one of the most important cultural institutions in the world and hosts more than six million visitors each year, with many millions more accessing its collection online. The museum's director Max Hollein contributes the foreword to Art =, while essays are written by the museum's curatorial staff and other art experts.

_____________

- An innovative approach that offers an inclusive, 21st-century definition of what ‘art' equals
- A greater range of artworks from The Met's collection than is shown in any other ‘highlights' publication
- Authoritative texts written by experts, including many of The Met's world-renowned curatorial specialists
- Includes content drawn from the multi-award-winning Heilbrunn Timeline of Art History
- Published to coincide with The Met's 150th-anniversary celebrations in 2020
- An essential reference book for everyone interested in fine art, archaeology, anthropology, fashion, design, and photography from around the world
- Beautiful package and ingenious design

Art Deco is one of the most exciting chapters in the history of the decorative arts. Conceived in France before the First World War, it spread throughout Europe and had its greatest and most spectacular success in the United States. Myriad influences shaped the style – Cubism, Constructivism, Orientalism, the Ballets Russes, the Bauhaus – and its exponents included many of the century’s most celebrated artists, designers and craftsmen.

Sumptuously illustrated with over 1,000 illustrations and written by one of the world’s leading experts, Art Deco Complete will be the definitive work on the subject for many years to come.

In the most comprehensive account of the decorative arts of the Art Deco period ever assembled, Alastair Duncan celebrates the rich variety of form and diverse international roots that have made it a perennial favourite of collectors and a constant source of inspiration for designers.

Straddling two World Wars and the Great Depression, ushering in the Jazz Age and the era of the automobile and skyscraper, and shaping everything from the Golden Gate Bridge to the humble desk lamp, the story of Art Deco is the story of our modern world.

In its purest forms, it developed from a characteristically French image of luxury and refinement. Later, modernist European and American designers incorporated metal and plastic in styles described as ‘Streamline Moderne’, but which are now called ‘Deco’. Although Paris was the spiritual home of the movement, Art Deco was a truly global style, with designers from every country in Europe and the Americas inspired by a vast international catalogue of artistic and craft traditions.

The guide begins with essays on the major media of the period: Furniture and Interior Decoration; Sculpture; Paintings, Graphics, Posters and Bookbinding; Glass; Ceramics; Lighting; Textiles; Silver, Metal, Lacquer and Enamel; and Jewelry, each followed by lavishly illustrated in-depth biographies of the major designers and artists working in the medium.

The second half of the book is an authoritative illustrated A–Z listing of all significant designers in the Art Deco style, comprising over four hundred entries.

About the author:

Alastair Duncan was for many years an officer and consultant of Christie’s, New York, and is now an independent consultant on the decorative arts of the 19th and 20th centuries. He is the author of many books on the Art Deco period, including Art Nouveau and Art Deco Lighting, Art Deco Furniture, American Art Deco and Art Nouveau and Art Deco Bookbinding.

With over 1000 illustrations in colour and black and white

___________________

Стильно оформленное, прекрасно иллюстрированное подарочное издание большого формата в суперобложке, упакованное в оригинальный подарочный футляр.

Это самая полная энциклопедия, посвященная искусству ар деко, за всю историю изучения стиля. Ар деко считается наиболее изысканным из всех декоративных стилей ХХ века, он возник на основе типично французского представления о роскоши и утонченности, что в 1920-е годы нередко выражалось в использовании экзотических материалов. Богатство и разнообразие форм, множество заимствований из других культур – характерные особенности стиля, благодаря которым ар деко не перестает быть фаворитом коллекционеров и источником вдохновения дизайнеров нового поколения.

Энциклопедия начинается серией эссе, посвященных мебели и декору интерьеров, скульптуре, живописи, графике, плакату и книжным переплетам. Предметом тщательного исследования являются  также художественное стекло, керамика, освещение, текстиль и ювелирные изделия. Каждая глава сопровождается иллюстрациями и подробными биографиями выдающихся мастеров. 

With a freshness and breadth of approach that sets Italian Renaissance art in its context, this book explores why works were created and who commissioned the palaces, cathedrals, paintings and sculptures. It covers Rome, Florence, Venice and the Veneto, Assisi, Siena, Milan, Pavia, Genoa, Padua, Mantua, Verona, Ferrara, Urbino and Naples. Chapters are grouped into four chronological parts, allowing for sustained examination of individual cities in different periods. 'Contemporary Scene' boxes provide fascinating glimpses of daily life and 'Contemporary Voice' boxes quote from painters and writers of the time. Accessible and beautifully presented with over 700 mostly colour images, this book is a definitive work on a key period of western art and culture.

The fascinating story behind the Viennese Secession, the art movement that shocked European society at the turn of the nineteenth century

The rebel artists of Vienna overwhelmed the artistic establishment of Europe at the end of the 19th century, having seceded from the traditional Viennese institutions of fine art and named themselves the Vienna Secession. Their works shocked a conservative public, but their daring sensibilities and dedication to the applied arts and architecture soon brought them an enthusiastic following and wealthy patronage. The boldly modernist paintings of Gustav Klimt, Egon Schiele, Oskar Kokoschka and others were matched by the buildings and applied designs of architects such as Joseph Maria Olbrich, who created the Secession Building as an architectural manifesto for the group. This classic book, now updated and with additional colour illustrations and a completely new introductory chapter, brilliantly traces the course of this influential artistic movement.

About the Author:

Peter Vergo is a leading expert on modern Russian, German and Austrian art, and the recipient of the Golden Order of Merit, bestowed by the Republic of Austria for services to Austrian art. His other publications include Kandinsky: Complete Writings and Twentieth-Century German Painting: The Thyssen-Bornemisza Collection. His two books about the relationship between art and music, That Divine Order and The Music of Painting, were published by Phaidon in 2005 and 2010. Vergo is Professor of Art History and Theory at the University of Essex.

At the end of the nineteenth century, Württembergische MetallwarenFabrik, or the Würtemberg Electro Plate Company as the firm was known outside Germany, was the world's largest manufacturer and exporter of household metalware. At its height, over 6,000 workers were employed in Germany, Poland and Austria, and almost 10,000 designs for objects ranging from teaspoons to enormous table centrepieces were produced. Widely known by its initials WMF, the company sometimes employed the services of leading German designers of the day, but for the most part, the wares were in a popular Jugendstil style, the German version of Art Nouveau. These decorative pieces are highly sought after today and are prized by collectors throughout the world.

WMF's domination of the export market is illustrated by the fact that they produced a sumptuous catalogue showing over 3,000 domestic pieces with descriptions in the English language. This catalogue was issued in 1906 by the company's English subsidiary from their showroom in Fore Street, London, and, as each illustration was hand-drawn, it must have represented a considerable investment. Original copies are now virtually unobtainable, and the complete catalogue is reprinted here with a detailed historical introduction by Graham Dry, a noted authority on nineteenth and twentieth-century decorative arts.

For the collector, this revised edition will provide a fascinating insight into the type and style of domestic metalwork that was available at the height of the Art Nouveau period. With details which include size, finish, and cost, the descriptions will be a major source of information.

The rise of the Art Nouveau style across Continental Europe and the US in the decorative arts was remarkable and is explored in this new beautifully illustrated book.

Discussing the movement first as a whole, then from the angle of the graphic arts and finally as manifested in the fine arts, it is a celebration of the style in two dimensions. From the work of well-known figures such as Toulouse-Lautrec, Gaudí and Tiffany to beautiful posters and illustrations advertising everything from coffee to costumes, and even including an exploration of the links to Synthetism and Symbolism among other movements, the book is a treat from start to finish.

An updated edition of the most comprehensive critical history of 20th and 21st-century art

Groundbreaking in both its content and its presentation, Art Since 1900 has been hailed as a landmark study in the history of art. Conceived by some of the most influential art historians of our time, this extraordinary book has now been revised, expanded and brought right up to date to include the latest developments in the study and practice of art. It provides the most comprehensive critical history of art in the twentieth and twenty-first centuries ever published.

With a clear year-by-year structure, the authors present 130 articles, each focusing on a crucial event – such as the creation of a seminal work, the publication of an important text, or the opening of a major exhibition – to tell the myriad stories of art from 1900 to the present. All the key turning-points and breakthroughs of modernism and postmodernism are explored in depth, as are the frequent antimodernist reactions that proposed alternative visions. This third edition includes a new introduction on the impact of globalization, as well as essays on the development of Synthetic Cubism, early avant-garde film, Brazilian modernism, postmodern architecture, Moscow conceptualism, queer art, South African photography, and the rise of the new museum of art.

The book's flexible structure and extensive cross-referencing enable readers to plot their own course through the century and to follow any one of the many narratives that unfold, be it the history of a medium such as painting, the development of art in a particular country, the influence of a movement such as Surrealism, or the emergence of a stylistic or conceptual body of work such as abstraction or minimalism. Illustrating the text are reproductions of almost eight hundred of the canonical (and anti-canonical) works of the century. A five-part introduction sets out the methodologies that govern the discipline of art history, informing and enhancing the reader's understanding of its practice today. Two roundtable discussions consider some of the questions raised by the preceding decades and look ahead to the future. Background information on key events, places and people is provided in boxes throughout, while a glossary, full bibliography and list of websites add to the reference value of this outstanding volume.

Acclaimed as the definitive work on the subject, Art Since 1900 is essential reading for anyone seeking to understand the complexities of art in the modern age.

Contents List:

How to use this book * Preface: A reader's guide Introductions Psychoanalysis in modernism and as a method * The social history of art: models and concepts * Formalism and structuralism * Poststructuralism and deconstruction * Globalization, networks and the aggregate as form 1900 - 1909 * 1910 - 1919 * 1920 - 1929 * 1930 - 1939 * 1940 - 1944 * Roundtable: Art at mid-century * 1945 - 1949 * 1950 - 1959 * 1960 - 1969 * 1970 - 1979 * 1980 - 1989 * 1990 - 1999 * 2000 - 2015 * Roundtable: The predicament of contemporary art Glossary * Further Reading * Selected useful websites * Picture credits * Index

About the Authors:

Yve-Alain Bois is Professor in the School of Historical Studies at the Institute for Advanced Study in Princeton.

Benjamin H. D. Buchloh is Franklin D. and Florence Rosenblatt Professor of Modern Art at Harvard University.

David Joselit is Carnegie Professor of the History of Art, Yale University.

Hal Foster is Townsend Martin, Class of 1917, Professor of Art and Archaeology at Princeton University

Rosalind Krauss is Meyer Schapiro Professor of Modern Art and Theory at Columbia University.

Third edition

637 illustrations, 413 in colour - First Edition

744 illustrations, 510 in colour - Second Edition

----------------------------------------

Новаторская по содержанию и форме, книга «Искусство с 1900 года» уже признана вехой в истории искусства. Сто двадцать две главы, выстроенные хронологически, год за годом обозревают ключевые события в искусстве — будь то создание выдающегося произведения, публикация важного текста или открытие значительной выставки, — образуя не одну, а множество историй искусства в период с 1900 года до наших дней. Углубленному анализу подвергнуты все поворотные моменты и прорывы модернизма и постмодернизма, а также шедшие им наперекор антимодернистские реакции.

Гибкая структура книги, пронизанной сетью перекрестных ссылок, позволит читателю выбрать свой собственный курс в изучении искусства ХХ — начала XXI века с опорой на один из нескольких сценариев — таких, как история определенного медиума, например живописи; развитие искусства в определенной стране; эволюция того или иного направления, например сюрреализма; формирование единого стилистического или концептуального корпуса произведений, например абстракционизма или минимализма.

В четырех введениях подробно рассмотрены основные методологии, направляющие историю искусства наших дней: это поможет читателю лучше понять сегодняшние критические подходы.

В рамках двух круглых столов авторы совместно обсуждают некоторые вопросы, поднятые искусством первой и второй половины XX века, а также выступают с предположениями о будущем. Дополнительная информация о внешних, но важных для истории искусства событиях, местах и людях дана во врезках, пунктиром сопровождающих текст.

В конце тома помещены глоссарий, разъясняющий ряд ключевых понятий книги, обширная библиография по ее темам и перечень основных интернет-ресурсов по искусству.

Считающаяся итоговой на данный момент работой в своей области, книга «Искусство с 1900 года» будет полезна каждому, кто хочет разобраться в хитросплетениях искусства современной эры.

Хэл Фостер — профессор кафедры искусства и археологии Принстонского университета, автор книг «Пересмотры: искусство, спектакль, культурная политика», «Антиэстетика», «Возвращение реального», «Навязчивая красота», «Дизайн и преступление» (рус. пер. 2014), «Протезированные боги».

Розалинд Краусс — профессор Колумбийского университета, автор книг «Подлинность авангарда и другие модернистские мифы» (рус. пер. 2003), «Холостяки» (рус. пер. 2004), «Фотографическое: опыт теории расхождений» (рус. пер. 2014, совместная издательская программа Музея «Гараж» и издательства «Ад Маргинем»), «Оптическое бессознательное», «Бумаги Пикассо».

Ив-Ален Буа — профессор Высшей школы исторических исследований Института углубленного образования Принстонского университета, автор книг «Живопись как модель» (рус. пер. 2015), «Бесформенное: руководство пользователя», «Матисс и Пикассо».

Бенджамин Х. Д. Бухло — профессор кафедры современного искусства Гарвардского университета, автор книг «Неоавангард и культурная индустрия» (рус. пер. 2015), «Немецкое искусство сегодня» и монографий об отдельных художниках, в том числе о Карле Андре, Марселе Бротарсе, Дэне Грэме, Габриэле Ороско, Энди Уорхоле.

Дэвид Джослит — профессор кафедры истории искусства Йельского университета, автор книг «Фидбэк: телевидение против демократии», «Бесконечный регресс: Марсель Дюшан в 1910–1941 годах», «Американское искусство с 1945 года».

Содержание:

Как пользоваться этой книгой
К читателям
Введения
Психоанализ в модернизме и психоанализ как метод
Социальная история искусства: модели и понятия
Формализм и структурализм
Постструктурализм и деконструкция

1900–1910

1900а Зигмунд Фрейд публикует «Толкование сновидений»: в Вене возникновение психоанализа совпадает с расцветом экспрессивного искусства Густава Климта, Эгона Шиле и Оскара Кокошки.
1900b Анри Матисс посещает Огюста Родена в его парижской мастерской, но отвергает скульптурный стиль мастера.
1903 На Маркизских островах в южной части Тихого океана умирает Поль Гоген: его обращение к племенному искусству и бегство в примитивистские фантазии оказывают влияние на ранние произведения Андре Дерена, Анри Матисса, Пабло Пикассо и Эрнста Людвига Кирхнера.
1906 Поль Сезанн умирает в Эксе на юге Франции: его смерть, а также ретроспективы Винсента Ван Гога и Жоржа Сёра, прошедшие годом ранее, знаменуют конец постимпрессионизма, наследником которого выступает фовизм.
1907 Стилистическим разладом и примитивистскими импульсами «Авиньонских девиц» Пабло Пикассо начинает самую грозную атаку на миметическую репрезентацию.
1908 Вильгельм Воррингер выпускает книгу «Абстракция и вчувствование», в которой противопоставляет абстрактное и изобразительное искусство: первое отстранено от мира, второе вовлечено в него. Немецкий экспрессионизм и английский вортицизм по-разному разрабатывают эту психологическую оппозицию.
1909 Ф. Т. Маринетти публикует «Первый манифест футуризма» на первой полосе парижской газеты «Фигаро»: впервые авангард вступает в сотрудничество с медиакультурой, резко противопоставляя себя истории и традиции.

1910–1919

1910 «Танец II» и «Музыка» Анри Матисса подвергаются резкой критике в парижском Осеннем салоне. Художник предельно обостряет в этих картинах свою концепцию «декоративного»: созданные им широкие поля чистого цвета оказываются нелегким испытанием для взгляда.
1911 Пикассо возвращает «заимствованные» иберийские головы в Лувр, откуда они были украдены. Он пересматривает свой примитивистский стиль и вместе с Жоржем Браком разрабатывает аналитический кубизм.
1912 Кубисты изобретают коллаж в контексте противоречивых обстоятельств и событий — сохраняющегося влияния поэзии символизма, зарождения массовой культуры и протестов социалистов против войны на Балканах.
1913 Робер Делоне выставляет в Берлине серию «Окна»: по всей Европе разрабатываются базовые проблемы и парадигмы абстракции.
1914 Владимир Татлин и Марсель Дюшан с разных сторон атакуют традиционные искусства: первый создает свои конструкции, преобразующие кубизм, а второй — реди-мейды, с ним порывающие.
1915 На выставке «0,10» в Петро граде Казимир Малевич показывает свои супрематические картины, созвучные концепциям искусства и литературы, выдвинутым русскими формалистами.
1916a В Цюрихе возникает международное движение Дада — двойная реакция на катастрофу Первой мировой войны и на провокации футуризма и экспрессионизма.
1916b Работы Пола Стрэнда публикуются на страницах издаваемого Альфредом Стиглицем журнала «Камера Ворк»: сложные отношения между фотографией и другими искусствами образуют основу для формирования американского авангарда.
1917a После двух лет напряженных поисков Пит Мондриан совершает прорыв к абстракции, а затем создает неопластицизм.
1917b В октябре 1917 года Тео ван Дусбург в голландском городке Лейден начинает выпускать журнал «Де Стейл»: до 1922 года он выходит ежемесячно, затем нерегулярно; последний номер появляется в 1932 году как дань уважения только что скончавшемуся в швейцарском санатории ван Дусбургу.
1918 Марсель Дюшан пишет «Tu m’» — свою последнюю картину, суммирующую его опыты, связанные с отказом от живописи, использованием случайности, переходом к реди-мейду и индексальной природой фотографии.
1919 В Париже проходит первая за тринадцать лет персональная выставка Пабло Пикассо: его обращение к пастишу совпадает с широкой антимодернистской реакцией.

1920–1929

1920 В Берлине проходит ярмарка Дада: поляризация авангардной и традиционной культур приводит к политизации художественных практик и появлению нового медиума — фотомонтажа.
1921 Сотрудники московского Института художественной культуры определяют конструктивизм как логическую деятельность, отвечающую запросам нового коллективного общества.
1922 Ханс Принцхорн публикует книгу «Художественное творчество душевнобольных». Макс Эрнст и Пауль Клее занимаются практическим исследованием той же темы.
1923 Баухаус, самая влиятельная школа модернистского искусства и дизайна в ХХ веке, проводит свою первую публичную выставку в Веймаре.
1924 Андре Бретон выпускает первый номер журнала «Сюрреалистическая революция», в котором утверждаются основы эстетики сюрреализма.
1925a Выставка «Ар-Деко» в Париже удостоверяет рождение современного китча. Машинная эстетика Ле Корбюзье становится мечтой и кошмаром модернизма. «Рабочий клуб» Александра Родченко пропагандирует новые отношения между людьми и вещами.
1925b Куратор Густав Хартлауб организует в Кунстхалле Мангейма первую выставку живописи «новой вещественности». Будучи очередным вариантом интернациональной тенденции «призыва к порядку», этот «магический реализм» сигнализирует о конце экспрессионизма и дадаистских практик в Германии.
1925c Оскар Шлеммер выпускает книгу «Театр Баухауса», в которой представляет манекен и автомат в качестве образцов для современного актера. Аллегорический потенциал куклы и марионетки осваивают
и другие художники, главным образом женщины — участницы движения Дада.
1926 В Ганновере строятся «Демонстрационная комната» Эль Лисицкого и «Мерцбау» Курта Швиттерса: конструктивисты и дадаисты диалектически осмысляют архитектуру музея как архива и модернистское пространство как аллегорию меланхолии.
1927a После периода работы коммерческим художником в Брюсселе Рене Магритт присоединяется к сюрреалистическому движению в Париже, играя в своем искусстве с образным языком рекламы и с двусмысленностями слова и изображения.
1927b Константин Бранкузи отливает из нержавеющей стали «Новорожденного». Его скульптура провоцирует конфликт между высоким искусством и промышленным производством, решающей точкой которого становится судебное разбирательство в США вокруг «Птицы в пространстве».
1927c Компания «Форд» поручает Чарльзу Шилеру фотосъемку ее нового завода в Ривер-Руж. Модернисты Северной Америки развивают лирическую трактовку машинного века, которую Джорджия О’Кифф распространяет на природный мир.
1928a Публикация Владиславом Стржеминским «Унизма в живописи», а затем, в соавторстве с Катаржиной Кобро, книги о скульп туре «Композиция пространства» становится апогеем интернационального распространения конструктивизма.
1928b «Новая типографика» Яна Чихольда подтверждает влияние советского авангарда на книжный дизайн и рекламу в капиталистических странах Западной Европы, а также удостоверяет оформление нового интернационального стиля.
1929 В Штутгарте с 18 мая по 7 июля проходит выставка «Кино и фото», организованная Немецким Веркбундом и представляющая широкую интернациональную панораму фотографических практик и дебатов. Выставка обозначает одну из вершин фотографии XX века и свидетельствует о появлении новой критической теории и истории этого медиума.

1930–1939

1930а Появление массового потребителя и модных журналов в Веймарской Германии двадцатых — тридцатых годов создает новый контекст производства и распространения фотоизображений и содействует формированию круга влиятельных женщин-фотографов.
1930b Жорж Батай публикует в журнале «Документы» рецензию на книгу «Примитивное искусство», выявляя разногласия в отношении авангарда к примитивизму и глубокий раскол в сюрреализме.
1931a Альберто Джакометти, Сальвадор Дали и Андре Бретон рассуждают в журнале «Сюрреализм на службе революции» об «объекте, служащем символом»: сюрреализм распространяет эстетику фетишизма и фантазии на сферу создания объектов.
1931b Повторенная несколько раз клятва Жоана Миро «убить живопись» и переход Александра Колдера от изящных «мобилей» к бесстрастным «стабилям» отражают переориентацию европейских живописи и скульптуры под влиянием концепции «бесформенного», выдвинутой Жоржем Батаем.
1933 Вспыхивает скандал вокруг портрета Ленина на фреске Диего Риверы в Рокфеллер-центре. Представители мексиканского движения муралистов выполняют росписи на общественно-политические сюжеты в разных городах США, подавая пример американскому политическому авангарду.
1934a На первом Всесоюзном съезде советских писателей Андрей Жданов провозглашает доктрину социалистического реализма.
1934b В статье «Задачи скульптора» Генри Мур формулирует британскую эстетику прямой резьбы, занимающую промежуточное положение между фигуративностью и абстракцией, между сюрреализмом и конструктивизмом.
1935 Вальтер Беньямин пишет первую версию «Произведения искусства в эпоху его технической воспроизводимости», Мальро задумывает «Воображаемый музей», а Дюшан приступает к сбору «Коробки в чемодане». Влияние механической репродукции, проникающей в искусство через фотографию, проявляется в эстетической теории, истории искусства и художественной практике.
1936 В ходе реализации «Нового курса» Франклина Рузвельта Доротее Лэнг, Уокеру Эвансу и другим фотографам поручается документирование сельской Америки в тисках Великой депрессии.
1937a Европейские страны соревнуются в национальных павильонах искусства, торговли и пропаганды на Всемирной выставке в Париже, а нацисты тем временем открывают в Мюнхене выставку «Дегенеративное „искусство“», резко осуждающую модернизм.
1937b Наум Габо, Бен Николсон и Лесли Мартин выпускают в Лондоне книгу «Круг», в которой закрепляется институциональный статус геометрической абстракции.
1937c Пикассо представляет картину «Герника» в павильоне Испанской республики на Всемирной выставке в Париже.

1940–1944

1942а С отходом Клемента Гринберга и редакторов «Партизан Ревью» от марксизма деполитизация американского искусства достигает критической точки.
1942b Вторая мировая война вынуж дает многих сюрреалистов к переезду из Франции в США. Две выставки в Нью-Йорке по-разному отражают их изгнанническое положение.
1943 В Нью-Йорке выходит в свет книга «Современное негритянское искусство» Джеймса Портера, отражающая главную цель «гарлемского ренессанса» — стремление привлечь внимание к специфике и куль- турному наследию черной расы.
1944а Пит Мондриан умирает, оставив неоконченной «Победу буги- вуги» — картину, воплощающую его концепцию живописи как деструктивного предприятия.
1944b В начале Второй мировой войны «старые мастера» современного искусства — Матисс, Пикассо, Брак и Боннар — рассматривают отказ бежать из оккупированной Франции как акт сопротивления варварству. Выработанный ими в военные годы стиль, получивший известность после Освобождения, становится вызовом для нового поколения художников.
1945 Дэвид Смит создает «Воскресный столб»: в концепции конструкционной скульптуры находят отклик ремесленный фундамент традиционного искусства и промышленные основы современного производства.

Круглый стол. Искусство в середине века

1945–1949

1945 Дэвид Смит создает «Воскресный столб»: в концепции конструкционной скульптуры находят отклик ремесленный фундамент традиционного искусства и промышленные основы современного производства.
1946 Жан Дюбюффе выставляет свое «густое тесто», свидетельствующее о возникновении в послевоенном французском искусстве нового, скатологического течения, которое вскоре получит название «информель».
1947a Йозеф Альберс приступает к созданию серии картин «Вариант»; импортированная в США, модель Баухауса трансформируется под влиянием различных художественных императивов и институциональных требований.
1947b Публикация «Возможностей» в Нью-Йорке знаменует сплочение абстрактного экспрессионизма в единое движение.
1949a Журнал «Лайф» обращается к читателям с вопросом о Джексоне Поллоке: «Величайший из ныне живущих американских художников?»; живопись Поллока становится символом передового искусства.
1949b «Кобра» — бунтарская группа молодых художников из Копенгагена, Брюсселя и Амстердама — начинает выпускать одноименный журнал, ратующий за возвращение к «источнику жизненной энергии»; в это время в Англии «новые бруталисты» предлагают грубую эстетику, отвечающую суровым условиям послевоенного мира.

1950–1959

1951 Вторая выставка Барнетта Ньюмана терпит неудачу: коллеги Ньюмана, абстрактные экспрессионисты, подвергают его остракизму; и только позднее художники-минималисты провозгласят его своим родоначальником.
1953 Композитор Джон Кейдж участвует в создании «Отпечатка шины» Роберта Раушен берга: индексальный след используется в ряде работ Раушенберга, Эллсворта Келли и Сая Твом бли как оружие против экспрессивного знака.
1955а Первая выставка группы «Гутай» в Японии свидетельствует о распространении модернистского искусства посредством медиа; другим примером переосмысления модернизма художниками за пределами США и Европы служит возникшая в Бразилии группа неоконкретистов.
1955b Выставка «Движение» в галерее Дениз Рене в Париже дает начало кинетизму.
1956 Выставка «Это — завтра» в Лондоне демонстрирует итоги деятельности художников «Независимой группы» — предвестников британского поп-арта, исследовавших отношения между искусством, наукой, технологией, дизайном и поп-культурой.
1957а Две маленькие авангардные группы, Леттристский интернационал и Имажинистский Баухаус, объединяются и создают Ситуационистский интернационал — самое политически ангажированное из послевоенных художественных движений.
1957b Эд Рейнхардт пишет «Двенадцать правил для новой академии»: в то время как в европейской живописи происходит реформа авангардных парадигм, американские художники Рейнхардт, Роберт Райман и Агнес Мартин исследуют монохромную живопись и модульную сетку.
1958 «Мишень с четырьмя лицами» Джаспера Джонса появляется на обложке журнала «Артньюс»; для одних художников Джонс представляет модель картины, в которой фигура и фон соединены в один образ-объект, а для других не менее важными уроками его живописи оказываются использование повседневных знаков и концептуальная двусмысленность.
1959a Лучо Фонтана проводит свою первую ретроспективу: китчевые ассоциации используются им в качестве критики идеалистического модернизма, которую усиливает его протеже Пьеро Мандзони.
1959b Брюс Коннер показывает в Художественной ассоциации Сан-Франциско «ДИТЯ» — изуродованную фигуру на высоком стуле, выражающую его протест против смертной казни. Коннер, Уоллес Берман, Эд Кинхольц и другие художники Западного побережья США развивают практику ассамбляжа и энвайронмента в более вызывающей версии, чем ее аналоги в Нью-Йорке, Париже и т. д.
1959с Музей современного искусства в Нью-Йорке представляет выставку «Новые образы человека»: эстетика экзистенциализма распространяет свое влияние на политику фигуративности периода холодной войны в работах Альберто Джакометти, Жана Дюбюффе, Фрэнсиса Бэкона, Виллема де Кунинга и других художников.
1959d «Наблюдения» Ричарда Аведона и «Американцы» Роберта Франка устанавливают диалектические параметры нью-йоркской школы фотографии.

1960–1969

1960а Критик Пьер Рестани организует в Париже группу из разных художников, чтобы, пересмотрев парадигмы коллажа, реди-мейда и монохрома, создать «новый реализм».
1960b Клемент Гринберг публикует «Модернистскую живопись»: его критика принимает новое направление, которое станет определяющим для дебатов шестидесятых годов.
1960с Сначала Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, а за ними Джеймс Розенквист, Эд Рушей и другие начинают использовать в качестве источников своих картин комиксы и рекламу: рождается американский поп-арт.
1961 В декабре Клас Олденбург открывает в нью-йоркском Ист-Виллидже «Магазин» — притворившийся одной из окрестных дешевых лавок «энвайронмент», в котором все предназначено для продажи: на протяжении зимы и последующей весны на его территории будут проведены десять «хеппенингов» олденбурговского «Театра лучевого пистолета».
1962а Джордж Мачюнас организует в Висбадене (ФРГ) первое из серии международных «событий», обозначившее начало движения «Флюксус».
1962b В Вене складывается группа художников, включающая Гюнтера Бруса, Отто Мюля и Германа Нитча, которая дает начало венскому акционизму.
1962c Под влиянием книги Камиллы Грей «Великий эксперимент: русское искусство 1863–1922 годов» на Западе возрождается интерес к советскому конструктивизму, получающий развитие в работах Дэна Флавина, Карла Андре, Сола Левитта и других.
1962d Клемент Гринберг первым отмечает абстрактный аспект раннего поп-арта — черту, которая будет постоянно напоминать о себе в произведениях его ведущих представителей и их последователей.
1963 После публикации двух манифестов, написанных совместно с живописцем Ойгеном Шёнебеком, Георг Базелиц выставляет в Берлине картину «Большая ночь пошла прахом».
1964a Двадцатого июля, в двадцатую годовщину провала заговора Штауффенберга против Гитлера, Йозеф
Бойс публикует свою фиктивную автобиографию и провоцирует вспышку публичного насилия на «Фестивале нового искусства» в Ахене (ФРГ).
1964b «Тринадцать подозреваемых в тяжких преступлениях» Энди Уорхола ненадолго появляются на фасаде павильона штата Нью-Йорк на Всемирной ярмарке в Нью-Йорке.
1965 Дональд Джадд публикует статью «Специфические объекты»: минимализм получает теоретическое обоснование в текстах его ведущих представителей — Джадда и Роберта Морриса.
1966а Незадолго до смерти Марсель Дюшан завершает инсталляцию «Дано» в Филадельфийском художественном музее: его растущее влияние на молодых художников достигает пика после открытия этой работы.
1966b В Нью-Йорке открывается выставка «Эксцентрическая абстракция»: работы Луиз Буржуа, Яёй Кусамы и Евы Хессе намечают экспрессивную альтернативу скульптурному языку минимализма.
1967а Публикацией альбома «Путешествие к памятникам Пассейика, Нью-Джерси» Роберт Смитсон утверждает «энтропию» в качестве одного из ключевых понятий художественной практики конца шестидесятых годов.
1967b Итальянский критик Джермано Челант организует первую выставку «арте повера».
1967c В качестве своей первой манифестации четыре художника, образовавшие группу «БМПТ», устраивают публичное выступление, каждый из участников которого повторяет от холста к холсту одну из простых конфигураций по своему выбору: эта форма концептуальной живописи становится последней в череде атак на «официальную» абстракцию в послевоенной Франции.
1968а Два крупнейших музея, ориентированных на самое передовое искусство Европы и Америки, — Музей Ван Аббе в Эйндховене (Нидерланды) и Музей Абтайберга в Мёнхенгладбахе (ФРГ) — выставляют работы Бернда и Хиллы Бехер, помещая их на переднем рубеже интереса к концептуальному искусству и фотографии.
1968b Публикации Сола Левитта, Дэна Грэма и Лоренса Винера дают начало концептуальному искусству, первые выставки которого проводит Сет Сигелауб.
1969 Выставка «Когда отношения становятся формой» демонстрирует итоги постминимализма, а «Антииллюзия: процедуры/материалы» фокусируется на процесс-арте, три главных аспекта которого разрабатывают Ричард Серра, Роберт Моррис и Ева Хессе.

1970–1979

1970 Майкл Ашер представляет свой «Проект для Помона-колледжа»: с распространением сайт-специфичного искусства открывается логическое поле между модернистской скульптурой и концептуальным искусством.
1971 Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке отменяет ретроспективу Ханса Хааке и удаляет работу Даниэля Бюрена из экспозиции Шестой международной выставки Музея Гуггенхайма; одновременно практика институциональной критики наталкивается на сопротивление со стороны художников-минималистов.
1972а Марсель Бротарс показывает в Дюссельдорфе (ФРГ) инсталляцию «Музей современного искусства, отдел орлов, секция фигур».
1972b Международная выставка «Документа 5» в Касселе (ФРГ) свидетельствует об институциональном признании концептуального искусства в Европе.
1973 Центр видео, музыки и танца «Кухня» открывает свое пространство в Нью-Йорке; видео-арт претендует на институциональное место между визуальным искусством, перформансом, телевидением и кино.
1974 В акции «Пригвожденный», в ходе которой Криса Бёрдена прибивают гвоздями к «Фольксвагену „Жук“», искусство перформанса в Америке достигает крайних пределов физического присутствия, после чего многие из его адептов оставляют, смягчают или трансформируют эту практику.
1975 Режиссер Лора Малви публикует новаторскую статью «Визуальное удовольствие и нарративное кино», а художницы-феминистки Джуди Чикаго и Мэри Келли развивают различные способы репрезентации женщин.
1976 В Нью-Йорке открывается пространство «P.S.1» и проходит «Выставка царя Тута» в музее Метрополитен: важные изменения в институциональной системе арт-мира регистрируются как альтернативными пространствами, так и выставочными блокбастерами.
1977 Выставка «Pictures» представляет группу молодых художников, чьи стратегии апроприации и критики оригинальности прокладывают путь понятию постмодернизма в искусстве.

1980–1989

1980 В Нью-Йорке начинает работу группа галерей «Метро-Пикчерс», открытая для молодых художников, исследующих фотографическое изображение и его использование в новостях, рекламе и моде.
1984a Виктор Бёрджин читает лекцию «Отсутствие присутствия: концептуализм и постмодернизмы». Публикация этого текста наряду с эссе Аллана Секулы и Марты Рослер обозначает новый подход к наследию
англо-американского фотоконцептуализма и, шире, к истории и теории фотографии.
1984b Фредрик Джеймисон публикует книгу «Постмодернизм, или Культурная логика позднего капитализма»; дебаты о постмодернизме выходят за рамки искусства и архитектуры, в культурную политику, и в них определяются две противоположные позиции.
1986 В Бостоне открывается выставка «Конец игры: референция и симуляция в новейшей живописи и скульптуре»: одни художники обыгрывают растворение скульптуры в товарном мире, другие подчеркивают всевластие дизайна и витрины.
1987 Проходит первая акция сообщества «ACT-UP»: в связи с критической ситуацией вокруг СПИДа возрождается акционизм, на первый план выходят группы коллективного действия и политические интервенции, зарождается квир-эстетика.
1988 Герхард Рихтер пишет картину «18 октября 1977 года»: немецкие художники рассматривают возможность возрождения исторической картины.
1989 В Париже открывается выставка «Маги Земли»: создание и представление современного искусства испытывает влияние постколониального дискурса и дебатов о мультикультурализме.

1990–1999

1992 Фред Уилсон представляет в Балтиморе проект «Подрывая музей»: институциональная критика выходит за пределы музея, и самые разные художники усваивают антропологическую модель проективного искусства, основанного на полевой работе.
1993a Мартин Джей публикует книгу «Потупленный взор» о дискредитации зрения в современной философии; критика визуальности развивается рядом художников этого времени.
1993b Снос «Дома» Рейчел Уайтред, слепка типовой постройки в восточном Лондоне, на передовую британской арт-сцены выходит новая группа художников-женщин.
1993c На биеннале Уитни в Нью-Йорке на первый план выступает тема идентичности, по-новому воплотившаяся в политизированном искусстве художников-афроамериканцев.
1994a Выставка Майка Келли демонстрирует рост интереса к регрессивным и «ничтожным» мотивам, в то время как Роберт Гобер, Кики Смит и другие используют образы разорванного и деформированного тела, поднимая вопросы сексуальности и морали.
1994b Уильям Кентридж завершает «Феликса в изгнании», вслед за Раймондом Петтибоном и другими художниками демонстрируя новую актуальность рисования.
1998 Выставка огромных видеопроекций Билла Виолы отправляется в мировое турне по музеям: формат проекции широко распространяется в современном искусстве.

2000–2010

2001 Выставка в МоМА Андреаса Гурски, находящегося на пике карьеры, свидетельствует о господстве пикториальной фотографии, часто создаваемой с применением цифровых технологий.
2003 Выставки «Станция Утопия» и «Зона неотложного», показанные в рамках Венециан ской биеннале, становятся образцом неформального и дискурсивного подхода к художественной и кураторской практике в новейшем искусстве.
2007a Большая ретроспектива Кристиана Маркли в парижском «Городе музыки» убеждает французскую столицу в значимости этого американского художника для будущего авангардного искусства; Министерство иностранных дел Франции, доверяя Софи Калль представлять страну на Венецианской биеннале, выражает свою веру в это будущее; Бруклинская музыкальная академия заказывает южноафриканцу Уильяму Кентриджу декорации для постановки «Волшебной флейты».
2007b В нью-йоркском Новом музее открывается выставка «Немону мен тальное: объект в XXI веке», демонстрирующая интерес молодого поколения скульпторов к ассамбляжу и аккумуляциям.
2007c Работа Дэмиена Хёрста «Ради Бога» — инкрустированная бриллиантами платиновая отливка человеческого черепа себестоимостью 14 миллионов и рыночной ценой 50 миллионов фунтов стерлингов — служит ярким примером искусства, делающего ставку на сенсацию и инвестиционный потенциал.
2009а На мультимедиа-конференции «Наша буквальная скорость» Таня Бругера представляет «Типичный капитализм» — перформанс, который визуализирует исходные узы доверия и общности взглядов аудитории, представляющей арт-мир, путем нарушения этих уз.
2009b Ютта Кётер представляет в галерее Рины Сполингс в Нью-Йорке выставку «Свет внутри», в которой смысловым центром живописи становятся перформанс и инсталляция: влияние сетевых структур не обходит
стороной даже такой традиционный медиум, как живопись, и распространяется среди художников Европы и США.
2009c Харун Фароки выставляет ряд работ на тему войны и ви?дения в Музее Людвига в Кёльне и в выставочном пространстве «Raven Row» в Лондоне, показывая связь между развлекательными формами новых медиа, в частности видеоиграми, и современными методами войны.
2010а В Турбинном зале лондонской галереи «Тейт Модерн» открывается масштабная инсталляция Ай Вэйвэя «Семена подсолнечника»: в ответ на стремительную модернизацию и экономический подъем своей страны китайские художники создают работы, которые затрагивают тему огромного рынка рабочей силы Китая и сами по себе превращаются в социальные проекты массового трудообеспечения.
2010b Представленная в Музее современного искусства Северного Майами (Флорида) ретроспектива вымышленной французской художницы Клер Фонтен, «управление» которой, осуществляемое двумя реальными ассистентами, само по себе служит ярким выражением разделения труда, заостряет
внимание на экономике искусства: выставка обозначает появление новой формы художественной субъективности — аватара.

Круглый стол. Современное искусство на распутье
Глоссарий
Дополнительная литература
Полезные интернет-сайты
Источники и правообладатели иллюстраций
Указатель

Посмотреть русскоязычно издание книги  - Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм