Сборники работ по искусству

Картины Ван Гога значительны в своей простоте и непосредственности, в экспрессии эмоционального воздействия. Их сила проистекает из любви и открытости художника по отношению к каждому предмету, видимому им подле себя, по отношению к человеку и природе. Радость, которую испытывал Винсент, идентифицируя себя с окружающим миром, омрачалась в его сознании глубоким эсхатологическим прозрением, ощущением быстротечности жизни и мрачным предчувствием смерти. Прожив сложную и неупорядоченную жизнь, Ван Гог много почерпнул из собственного опыта. Он был рожден в век, когда люди впервые в истории остро ощутили конечность своего существования, непреодолимое одиночество каждого в этом мире, утрату той трансцендентной силы, которая некогда была защитой и опорой.

Содержание

Том 1
Эттен, апрель 1881 - Париж, февраль 1888
Первый том "Ван Гог. Полное собрание живописи" содержит 381 цветную иллюстрацию и 97 черно-белых. На протяжении всех 300 страниц книги прослеживается творческая эволюция художника, начиная с октября 1881 года вплоть до его переезда в Париж. Там в течение 2 лет между мартом 1886 и февралем 1888 года он создал более 200 картин.

Том 2
Арль, февраль 1888 - Овер-сюр-Уаз, июль 1890
Второй том "Ван Гог. Полное собрание живописи" содержит 366 цветных иллюстраций и 60 черно-белых. 440 страниц книги повествуют об этапах жизни художника после его отъезда в Арль в феврале 1888 года, затем о плодотворном периоде в Сен-Реми, начиная с июня 1889 по май 1889 и вплоть до его трагической кончины 29 июля 1890 в Овер-сюр-Уазе. За эти 30 месяцев, работая на пределе человеческих возможностей, Ван Гог написал 463 работы, которые принесли ему всемирную славу.

The Dore Gallery: Containing Two Hundred and Fifty Beautiful Engravings

Гюстав Доре — выдающийся французский живописец и величайший гравёр, работы которого иллюстрируют наиболее значимые литературные произведения. Доре написал сотни гравюр, которыми восторгались и его современники, и сегодняшние почитатели его художественного наследия.

В альбоме «Галерея Доре» собрано двести пятьдесят лучших гравюр к книгам, среди которых «Потерянный рай» Мильтона, «Божественная комедия» Данте, «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанический», «Волшебные сказки» Перро и даже Библия.

Его работы, с невероятной силой отображающие содержания художественных текстов, славятся своей строгостью, поэтичностью и уникальной масштабностью — почти все гравюры Доре очень объёмны и динамичны.

Данная книга не могла бы быть написана, если бы не существовало предшествующих ей изданий.

В 1978 Rikuyo-sha опубликовало двухтомное издание, посвященное архитектуре Гауди: "Гауди. Искусство и архитектура". Текст для этой работы написал профессор Жуан Басегода-и-Нонель, заведующий Кафедрой Гауди в Каталонском политехническом университете. В книге были использованы рисунки некоторых проектов Гауди, которые выполнил Хиройя Танака.

В 1984 году Пенсионный сберегательный фонд (Fundacio Caixa de Pensions) в Барселоне организовал обширную передвижную выставку, к которой был опубликован каталог. Текст для каталога, переведенный на шесть языков, написал профессор Басегода-и-Нонель, устроитель и куратор выставки. В этом каталоге содержится целый ряд иллюстраций, предоставленных фотографами Пенсионного сберегательного фонда. Иллюстрации получены из архивов Кафедры Гауди в Каталонском политехническом университете, наиболее известной организации в сфере исследования творчества Гауди. Некоторые иллюстрации к этому каталогу использованы и в данном издании. Обширная документация каталога также сыграла чрезвычайно важную роль в формировании концепции этой книги.

В 1985 году Rikuyo-sha опубликовало однотомное переиздание своей книги 1978 года о Гауди под названием "Гауди. Искусство и архитектура", которое и стало основой данного тома.

В настоящем издании опубликовано полное собрание архитектурных произведений Антонио Гауди: 372 цветные фотографии, 17 планов и 2 карты.

В лице Гауди родился выдающийся художественный гений, который с самых первых шагов своей профессиональной деятельности обладал неповторимым стилем. Многие считали его сначала интересным, а позднее - просто невероятным. Недостаточно сказать, что Гауди внес свой вклад в развитие архитектуры. Он пошел намного дальше и коренным образом изменил ее стиль и структуру. Он работал, не думая об оригинальности или о ниспровержении существующих эстетических норм, а лишь подчиняясь безудержному порыву своей творческой одаренности. Воинствующие мастера-авангардисты XX века, например Аполлинер, Бретон, Дали, Мэн Рей, Элюар, преклонялись перед творчеством Гауди и после его смерти провозгласили архитектора сюрреалистом.

Антонио Гауди, всю жизнь проповедовавший свободу в своей профессии и никогда не принадлежавший ни к одному из художественных сообществ, так и не удостоился почестей и наград от какой-либо академии и в отличие от многих своих коллег никогда не примыкал к какой-либо политической организации. Он был выдающимся самобытным художником, который работал с невероятной четкостью, даже если она, казалось бы, порождалась безудержным воображением. Плоды этого воображения и через 80 лет после смерти архитектора продолжают оставаться главными достопримечательностями Барселоны, где сосредоточены наиболее значительные и самые прекрасные творения удивительного и всеобъемлющего таланта Гауди.

Появление такого феномена, как Антонио Гауди, положило начало беспрецедентному этапу в развитии не только искусства Каталонии, но и всего мира. Подлинное значение творчества архитектора было осознано лишь несколько десятилетий спустя.

Джорджия О’Киф и Фрэнк Ллойд Райт - пионеры американского искусства и культуры. Оба художника при жизни были признаны гениями, вдохновителями будущих поколений. Хотя оба они принадлежали к западной культуре, оба одинаково осознавали, что их работа является значительным отсуплением от европейской традиции. Оба благоговели перед восточными культурами, никогда не увлекались авангардными тенденциями и не пытались стать деятелями направлений, которые повлекли бы за собой отказ от индивидуальности.

Творчество двух модернистов-новаторов поражает своей гармонией, чувством пространства, света и цвета. Органичное созвучие работ Миро и зданий, спроектированных Сертом, обнаруживается в студиях Пальмы, Мальорки и в барселонском Фонде Миро, где оба мастера творили вместе.

Стильно оформленное, богато иллюстрированное подарочное издание в футляре.

Книга об австрийском живописце и графике Густаве Климте (1862 - 1918), главном представителе венского модерна, который был предельным, формально обостренным выражением искусства рубежа веков. Климт был одним из организаторов венского Сецессиона в 1887 году, который объединил силы художников, противостоящих официальному искусству. В 1905 году Климт оставил венский Сецессион. Он стал излюбленным портретистом элегантных жительниц Вены. Слегка стилизованные модели вместе с орнаментальным фоном образуют в высшей степени оригинальные композиции. Климт писал также пейзажи в манере, соединяющей символизм с импрессионизмом. Изображенные предметы помещены в плоскостной структуре, близкой к абстракции и сохраняющей орнаментальный характер, тогда как атмосфера передается тонкой световой нюансировкой.
Для Климта характерны символическая тематика, часто с оттенком эротизма, рафинированный, эстетский и очень индивидуальный стиль, в котором доминировал вкус к орнаментализации. Климт оказал влияние на других значительных художников, в особенности на Эгона Шиле и Оскара Кокошку.

Под редакцией Альфреда Вайдингера.
Составители каталога: Альфред Вайдингер, Михаела Зайзер и Ева Винклер.

Климт - один из самых оригинальных художников конца XIX - начала XX века. Главными героями его картин, в основном, являются женщины, а в самих работах затрагиваются такие универсальные темы, как смерть, старость и любовь, переданные яркими цветами и гаммами золотого с плавными переходами, что придает индивидуальность его творчеству.

Творческое воображение Климта наполнялось до краев жизнью, традиционное и современное сочетались друг с другом, соединяя мир уходящий с миром возникающим. Увлекательно смотреть на его чувственную живопись, калейдоскопическую композицию работ, богатство орнамента и пытаться раскрыть секрет его картин. Кроме того, зритель находится в плену основной темы творчества Климта — красоты женщины.

Климт остается одним из революционных художников, почитаемым многими, и эта книга отдает должное редкостной изысканности его работ.

На рубеже XIX-XX веков французский дизайнер Морис Пийар Верней превратил орнамент в шедевр декоративного искусства. Ученик Эжена Грассе, известного художника Art Nouveau, Верней проявил огромный интерес к природным формам и создал большое число стилизаций по мотивам ириса, лилии, ветреницы и других луковичных, садовых, дикорастущих и водных растений.

В этой уникальной книге собрано около 180 его изящных узоров для обоев, ткани, керамики, стекла, дерева и металла. Цветные узоры выполнены в пластичности, свойственной истинно "новому искусству".

Кроме текста самого Вернейя о декоре интерьера — он был яростным защитником идеи важности цвета и его влияния на чувственное восприятие — в книге имеются комментарии Уильяма Вилера, составителя данного издания. Хотя этюды Вернейя о метаморфозах обычных цветов в замысловатый изысканный рисунок созданы почти сто лет назад, они по сию пору не теряют своей привлекательности.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер - величайший из живописцев. Каждая его акварель - это "пейзаж плюс человеческая душа", его формы выходят за рамки обычной реальности, он первым преодолел границы традиционной европейской живописи и еще за шестьдесят лет до Матисса и Пикассо начал современную революцию в искусстве. Выставки шедевров Тернера и в наши дни собирают миллионы поклонников его творчества по всему миру.

Среди лучших биографов и знатоков творчества Тернера - Эрик Шейнс, автор многих книг о художнике, отмеченных престижными международными премиями. Одну из этих книг вы держите в руках. Первый ее раздел содержит подробную биографию великого Мастера - увлекательный рассказ о его семье, становлении его как живописца, мировосприятии, творческих взлетах и разочарованиях, поисках своего места в искусстве и непростой судьбе художника. Второй раздел включает богатое собрание выдающихся произведений Тернера - от самых ранних, созданных в 1790-е годы, и до последних, - сопровождаемое глубоким анализом и интересными наблюдениями.

Суми-э означает «картина, написанная тушью». Искусство суми-э возникло в Китае около 6000 лет назад, позднее буддийские монахи завезли живопись тушью в Японию и другие азиатские страны. Суми-э – это искусство импровизации. Не стоит пытаться передать то, что вы видите, так, как оно выглядит на самом деле. Говорят, чтобы написать тот или иной предмет, нужно самому стать этим предметом. Нужно попытаться ухватить жизненную силу цветка, камня или дерева. Эта жизненная сила называется чи (по китайски - ци). Суми-э является художественной формой, которой свойственна высочайшая степень свободы. В этой книге даны описания базовых технических приемов суми-э, а также ряд живописных проектов с поэтапным описанием исполнения.

Иллюстрированная монография петербургского искусствоведа Аллы Александровны Русаковой продолжает серию «Художники русской эмиграции». Книга посвящена трагической творческой и жизненной судьбе замечательной русской художницы Зинаиды Евгеньевны Серебряковой. Зинаида Серебрякова принадлежала к поколению мастеров, которые «строили» русское искусство ХХ века. Вынужденная покинуть Россию в 20-е годы, она более сорока лет жила во Франции, но всегда входила в тот круг художников русской эмиграции, творчество которых оставалось частью русской, а не французской культуры. В книге автор определяет место и значение творчества Зинаиды Серебряковой в русском искусстве ХХ века, стилевые и «видовые» особенности ее живописной манеры, а также сравнивает «русский» и «французский» периоды ее творчества. Книга содержит репродукции более 300 произведений, многие из которых публикуются впервые, и адресована как специалистам, так и широкому кругу любителей отечественной живописи.

Альфонс Муха — ключевая фигура в международном направлении Арт Нуво, зародившемся в Париже в 1890-е гг.
Муха прославился своими плакатами, декоративными панно, календарями и рекламными иллюстрациями.

Коллекция Ивана Лендла — в настоящее время самое полное собрание плакатов Альфонса Мухи в мире. В нее также вошли более 100 набросков, рисунков и фотографий, которые позволят читателю лучше познакомиться с искусством Мухи.

Это издание, включившее многие произведения и подробные документальные сведения, является уникальной книгой, которая проведет читателей по всем важным периодам творчества Альфонса Мухи.

Книга академика Дмитрия Владимировича Сарабьянова – первое в нашей стране исследование, посвященное Ивану Пуни (1892–1956), одному из мастеров русского авангарда. Произведения художника хорошо знают на Западе, его персональные выставки проходили во многих странах США и Европы. За рубежом о нем написаны многочисленные статьи и монографии. В настоящем издании, впервые в России, публикуется книга Ивана Пуни "Современная живопись", вышедшая в Берлине в 1923 году и ставшая с тех пор библиографической редкостью. Издание адресовано специалистам и широкому кругу любителей отечественного искусства XX века.