Книги по живописи

Книга о французском живописце, скульпторе, мастере керамики и гравере Поле Гогене (1848–1903).

Гоген сравнительно поздно открыл в себе склонность к художеству. В начале своего творческого пути Гоген находился под влиянием импрессионистов, особенно Камиля Писсарро, но в скором времени стал разрабатывать – в противовес импрессионизму – свой синтетический метод. Он был убежден в том, что живопись сродни музыке, а потому цветовой строй картины подчиняется принципам, сходным с законами музыкальной гармонии.

Исследование Гогеном выразительного языка и символического значения линий, поверхностей, цвета способствовало развитию в искусстве стилистических тенденций, предвосхищавших экспрессионизм и абстрактную живопись. 

В 1871 году он стал заниматься живописью и начал коллекционировать произведения Ренуара, Сезанна и Моне. Писсарро познакомил его с живописью импрессионистов. В 1885 году он оставил свою семью – жену и пятерых детей – и всецело посвятил себя живописи. Гоген обитал между двумя мирами. Творя, он зеркально отображал современную цивилизацию, к которой относился с презрением и которой предлагал альтернативу в образе первобытной жизни во всей ее простой, наивной гармонии. Он стремился доказать, что тяга к экзотике южных морей не сводится к одному только желанию убежать от надоевшей обыденности в зачарованные страны, будоражившие воображение его современников. Гоген воплотил в себе новый союз искусства и жизни и явился одним из истинных первопроходцев нового течения в искусстве – модерна, которому суждено было стать ведущим направлением начала ХХ столетия. «Благородный дикарь» признавался Гогеном лучшим из человеческих существ, он радовался бытию и существовал в согласии с природой. А значит, он вел жизнь более счастливую. Вот этого счастья и искал Гоген. Последние работы Гогена, необычайно интенсивные по колориту, относятся к таитянскому периоду. Это картины, проникнутые лиризмом, безмятежностью, гармонией и красотой, и в них никак не обнаруживаются страдания, которыми были отмечены последние годы жизни художника.

Издание состоит из пяти глав, рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. В конце книги приводится хронология жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями.

Книга об испанском живописце, рисовальщике и гравере Франсиско Гойе (1746–1828). Он глубоко проник в мир кошмаров и галлюцинаций, которые высвобождаются из глубинных слоев психики, как только снимается контроль индивидуального сознания. Гойя исполнял множество картонов для ковров, изготовленных Королевской мануфактурой. Писал прекрасные портреты, будучи первым живописцем короля. Затем постепенно отошел от двора, сойдясь с либерально мыслящими личностями и познакомившись с просветительской философией. Его живописная манера сильно изменилась после того, как он стал глухим, изменились и его картины: они стали более мрачными и призрачными, а портреты приобрели более интимный характер, и в них появился напряженный психологизм. Книга состоит из семи глав, подробно рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. Все иллюстрации имеют аннотации. В конце книги приводится хронология жизни и творчества мастера, а также библиография избранных трудов о Гойе, вышедших во всем мире.

Стильно оформленное, богато иллюстрированное подарочное издание в футляре.

Книга об австрийском живописце и графике Густаве Климте (1862 - 1918), главном представителе венского модерна, который был предельным, формально обостренным выражением искусства рубежа веков. Климт был одним из организаторов венского Сецессиона в 1887 году, который объединил силы художников, противостоящих официальному искусству. В 1905 году Климт оставил венский Сецессион. Он стал излюбленным портретистом элегантных жительниц Вены. Слегка стилизованные модели вместе с орнаментальным фоном образуют в высшей степени оригинальные композиции. Климт писал также пейзажи в манере, соединяющей символизм с импрессионизмом. Изображенные предметы помещены в плоскостной структуре, близкой к абстракции и сохраняющей орнаментальный характер, тогда как атмосфера передается тонкой световой нюансировкой.
Для Климта характерны символическая тематика, часто с оттенком эротизма, рафинированный, эстетский и очень индивидуальный стиль, в котором доминировал вкус к орнаментализации. Климт оказал влияние на других значительных художников, в особенности на Эгона Шиле и Оскара Кокошку.

Под редакцией Альфреда Вайдингера.
Составители каталога: Альфред Вайдингер, Михаела Зайзер и Ева Винклер.

Климт - один из самых оригинальных художников конца XIX - начала XX века. Главными героями его картин, в основном, являются женщины, а в самих работах затрагиваются такие универсальные темы, как смерть, старость и любовь, переданные яркими цветами и гаммами золотого с плавными переходами, что придает индивидуальность его творчеству.

Творческое воображение Климта наполнялось до краев жизнью, традиционное и современное сочетались друг с другом, соединяя мир уходящий с миром возникающим. Увлекательно смотреть на его чувственную живопись, калейдоскопическую композицию работ, богатство орнамента и пытаться раскрыть секрет его картин. Кроме того, зритель находится в плену основной темы творчества Климта — красоты женщины.

Климт остается одним из революционных художников, почитаемым многими, и эта книга отдает должное редкостной изысканности его работ.

В 1916 году в «Кабаре Вольтер» в Цюрихе собрались художники, писатели, эмигранты и оппозиционеры. Так было положено начало художественно-литературному стилевому направлению дадаизм, возникшему под впечатлением Первой мировой войны. Существовавшее приблизительно до 1923 года движение выступало против жизненных и художественных ценностей буржуазии; без оглядки на логику, мораль и традиции дадаисты стремились создать провокационное антиискусство и отрицали любую эстетическую систему. Важными средствами художественного выражения дадаистов были коллажи, монтажи и ассамбляжи – расположенные в произвольном порядке вырванные из различных сред объекты, представшие в новых конструктах, – будь то картины, скульптуры или звуковые стихи. В издание включены биографии и произведения Ханса Арпа, Иоханна Баадера, Йохана Теодора Бааргельда, Марселя Дюшана, Макса Эрнста, Георга Гросса, Рауля Хаусманна, Джона Хартфильда, Ханы Хёх, Франсиса Пикабиа, Манн Рэя, Курта Швиттерса.

Книга об испанском художнике, выдающемся представителе сюрреализма Сальвадоре Дали (1904–1989). Страсть к провокации и шокированию – важнейшая составляющая его творчества, отличительный знак его поведения, за что он даже был исключен из рядов сюрреалистов.

Фантасмагорические существа, самые абсурдные и противоречивые соединения на картинах Дали должны быть поняты как отражение бессознательного, а сама живопись - сравниться с галлюцинированием. Несмотря на теоретические рамки Дали в немалой степени черпал вдохновение в творчестве других художников-сюрреалистов, таких как Эрнст, Ив Танги и де Кирико. Можно найти также следы влияния старых мастеров: Рафаэля или Вермера. Опираясь на сюрреалистический метод «автоматического письма», который противопоставил творческой воле художника те свободные ассоциации идей, порожденные его бессознательным, Дали развивал свой собственный «параноико-критический» метод, который он сам определил как «спонтанный метод иррационального знания, основывающийся на критической интерпретации цепочек безумных видений». В этом раскрепощении бессознательного решающим было влияние психоанализа Зигмунда Фрейда, с которым Дали встречался в 1938 году.

Издание состоит из пяти глав, рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. Все иллюстрации имеют аннотации. В конце книги приводятся летопись жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями, а также подробный список иллюстраций.

Посмотреть англоязычное издание книги Дали - Dali

Книга о французском живописце-импрессионисте, гравере и скульпторе Эдгаре Дега (1834–1917).

В центре творчества Дега всегда оставалась жизнь современного ему города. Через выражения лиц и позы персонажей, а также через композиционные средства ему замечательным образом удалось передать одиночество и отчужденность людей в большом городе. Для композиций Дега характерна неожиданная кадрировка, когда зачастую персонажи размещаются не в центре, а ближе к краю картины. Он всегда считал себя независимым художником, ему чужды были манера письма и радостная атмосфера импрессионистических пейзажей, но в 1874 году он присоединился к группе импрессионистов и участвовал в восьми их выставках. К концу жизни художник ослеп и вынужден был оставить живопись и заниматься исключительно скульптурой.

Книга состоит из восьми глав, подробно рассказывающих о жизни художника и об истории создания каждой картины, представленной в издании. В конце книги приводится хронология жизни и творчества мастера, проиллюстрированная документальными фотографиями, а также библиография избранных трудов о Дега.

Джексона Поллока считают одним из лидеров «мифического» направления новой американской школы, он принадлежит к плеяде художников «живописи действия». Художник работал на полотне, расстеленном прямо на полу, он приступал к работе сразу со всех сторон, делая из картины сцену, на которой разворачивалось неистовое действие. В результате получались густые лабиринты краски с потеками, каплями, многоцветные или черно-белые, имеющие структуру или смягченные и словно оплавившиеся. Чтобы достичь этого, Поллок использовал технику «дриппинга», или разбрызгивания.

«Поллок не был прирожденным художником. В шестнадцать лет он собирался стать скульптором, но прежде чем ему исполнилось восемнадцать, его интересы устремились к живописи. Ему пришлось приложить немало усилий, чтобы научиться рисовать и писать красками». Вот так в 1967 году, по случаю посмертной итоговой выставки в Музее современного искусства, Клемент Гринберг вкратце обрисовал начало карьеры Джексона Поллока, погибшего в автокатастрофе в 1956 году, будучи легендарной личностью своего времени.

После занятия скульптурой в Лос-Анджелесе и натуралистической живописью в Нью-Йорке, Поллок объехал Соединенные Штаты и открыл для себя индейскую «песочную живопись», монументальные фрески мексиканцев Ороско и Сикейроса, которые, как и кубизм Пикассо, оказали существенное влияние на раннюю живопись Поллока с ее вибрирующими цветами и геометрическими формами.

Поллок уделил особое внимание своему месту своего происхождения — американскому Дикому Западу, обширному горизонтальному пространству страны, равно как и искусству коренных народов Америки. «Для индейцев характерен правдивый, реалистический художественный подход, проявляющийся в их умении уловить соответствующие образы и в их понимании того, что составляет саму суть изображаемого предмета. Их колорит — в общем и целом, Западный, их видению мира свойственна основная универсальность всего подлинного искусства».

Поллок считал, что источник искусства кроется в бессознательном. В последние годы жизни он много внимания уделял спонтанному творчеству. Процесс создания картины порождал собственную динамику, которая, как и получившееся полотно, являлась прямым непосредственным выражением психики. Поллок был символом некоего неистовства в искусстве.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер - величайший из живописцев. Каждая его акварель - это "пейзаж плюс человеческая душа", его формы выходят за рамки обычной реальности, он первым преодолел границы традиционной европейской живописи и еще за шестьдесят лет до Матисса и Пикассо начал современную революцию в искусстве. Выставки шедевров Тернера и в наши дни собирают миллионы поклонников его творчества по всему миру.

Среди лучших биографов и знатоков творчества Тернера - Эрик Шейнс, автор многих книг о художнике, отмеченных престижными международными премиями. Одну из этих книг вы держите в руках. Первый ее раздел содержит подробную биографию великого Мастера - увлекательный рассказ о его семье, становлении его как живописца, мировосприятии, творческих взлетах и разочарованиях, поисках своего места в искусстве и непростой судьбе художника. Второй раздел включает богатое собрание выдающихся произведений Тернера - от самых ранних, созданных в 1790-е годы, и до последних, - сопровождаемое глубоким анализом и интересными наблюдениями.

Giotto di Bondone. A central figure of the Early Renaissance

According to legend, he was discovered by Cimabue as a boy, sketching his father’s sheep. Giotto di Bondone (1266-1337) was the most famous and influential painter of his generation in Italy. As the pioneer of modern painting, his impact was so enormous that his artist colleagues in Florence, however capable, were left struggling to keep up. His services were engaged by numerous high officials and princes, including the Pope and his cardinals, King Robert of Anjou, and the Scaligeri and Visconti. All these works, including the large secular cycles, are lost. Amongst his surviving works, his masterpieces are undoubtedly his decoration, from 1303 to 1305, of the private chapel built by the financier Enrico Scrovegni for his family in a former Roman amphitheatre in Padua, the fresco cycle in the Upper Church of Assisi, and the frescos inside chapels of Santa Croce in Florence. The simplicity and strength of his forms, as well as the humanism he infused in his works, set him apart from his Byzantine contemporaries and at the forefront of Italian painting in the early years of the Renaissance.

About the Series:

Each book in TASCHEN’s Basic Art Series features:

- a detailed chronological summary of the life and oeuvre of the artist, covering his or her cultural and historical importance
- a concise biography
- approximately 100 colour illustrations with explanatory captions

The author:

Norbert Wolf graduated in art history, linguistics and medieval studies at the universities of Regensburg and Munich, and earned his PhD in 1983. He held visiting professorships in Marburg, Frankfurt, Leipzig, Düsseldorf, Nuremberg-Erlangen, and Innsbruck. His extensive writings on art history include many TASCHEN titles, such as Diego Velázquez, Ernst Ludwig Kirchner, Caspar David Friedrich, Expressionism, Romanesque, Landscape Painting and Symbolism.

_____________

Земная жизнь Джотто ди Бондоне окутана множеством мифов и легенд. Даже даты рождения значительно расходятся в разных источниках. Автор этой книги не берется развеивать мифы и давать какие-то оценки человеческим поступкам художника. Эта книга предоставляет нам возможность еще раз насладиться творчеством великого живописца, прикоснуться к шедеврам мировой культуры — картинам, фрескам, триптихам, украшающим известнейшие музеи мира.

Творчество Диего Веласкеса – вершина развития реализма в испанской живописи XVII в. Имя художника входит в плеяду величайших мастеров кисти в мировом искусстве. Широкий охват явлений жизни во всей их сложности и противоречивости, глубокая содержательность образов, тонкость живописного исполнения – таковы основные черты творчества Веласкеса. Гениальный художник, придворный живописец Филиппа IV, человек, который благодаря своей прямоте, утонченности и галантности заслужил дружбу короля и уважение многочисленных завистников, является бесспорным главой испанской школы. Он вел достойную и мудрую жизнь, поистине не отягощенную событиями, которую не смогли поколебать даже придворные интриги. Новизна художественного мышления проявляется у Веласкеса в разных жанрах: это историческая тема, жанровые сценки из повседневной жизни простых людей, картины на религиозные и мифологические сюжеты и, конечно – портреты. Ярко и правдиво воссоздают они облик самых разных людей, поражая глубиной психологического анализа и чеканной отточенностью характеристик. Особая группа произведений – портреты королевских шутов, призванных забавлять двор. В них отразилось уважение художника к человеческому достоинству, внутреннему миру обездоленных.

Альбрехт Дюрер – великий мастер, силой своего гения связавший искусство Средних веков с эпохой Возрождения.

Он первым из немецких художников перенес на холст историю своей жизни; сделал автопортрет самостоятельным живописным жанром; возвел искусство акварели и гравюры на небывалую высоту; первым в Германии выполнил с натуры рисунок обнаженной фигуры; и он был первым немцем, кто дополнил свое творчество трактатами по теории живописи.

Эта книга – не классический, но современный взгляд на творчество гения немецкого Возрождения.

Книга о великом немецком живописце, графике и гравере эпохи Возрождения Альбрехте Дюрере (1471–1528).

В 1523–1528 годах Дюрер опубликовал теоретические трактаты «Руководство к измерению циркулем и линейкой» и «Четыре книги о пропорциях человека», вобравшие в себя выводы, к которым он пришел в результате изучения пропорций, и ставшие основой руководства по обучению живописи.

Дюрер оставил более 1000 рисунков и акварелей. В основном он работал серебряным карандашом, кистью, тушью, пером и углем. Книга состоит из статьи, подробно рассказывающей о жизни художника и об истории написания рисунков и акварелей, представленных в издании. Каждая иллюстрация снабжена подробной аннотацией. В конце книги приводится хронология жизни и творчества мастера.